Taggeträumt – Wiederentdeckt – Ausgeträumt

Fatimah Tuggar ist eine aus Kano in Nordnigeria stammende Künstlerin, deren Werke mit den Mitteln der Virtuellen Realität und der 3-D-Technik entstehen. Schwerpunkt ihrer Arbeit ist das bis in den letzten Winkel des Planeten von der Globalisierung berührte Zuhause. „Home‘s Horizons“ zeigt ihre knallbunten Collagen in beeindruckenderweise (sie können per App auch zu bewegten Bildern mutieren).

Typisch afrikanische Hofszenen spielen sich vor einer neonbunt leuchtenden Las-Vegas-Kulisse ab in „Pleasures, 1996“. Eine reiche Afrikanerin leistet sich eine weiße Haushaltshilfe in „Lady and the Maid, 2000“. Ein Vintage-Roboter aus Stahl serviert einer afrikanischen Dinner-Party in „Robo Entertains, 2001“. Und der heimische Horizont breitet sich bei Tuggar sogar über den gesamten Kosmos aus, indem er die traditionelle Mobilität eines Einbaums mit der einer Weltraumkapsel verbindet, die per Fallschirm aneinander befestigt sind, wie in „Home‘s Horizon, 2019“ (siehe oben).

Fatimah Tuggar betont, daß es sich nicht um sciencefictionartige Projekte im Stile des „Afrofuturismus“ handelt, sondern um eine „alternative Vorstellung…, in der Wissenschaft und Technologie nicht nur den Europäern gehören, wohingegen die Afrikaner für Mystizismus, Magie und Geisterglauben zuständig sind.“ red

Fatimah Tuggar: Home‘s Horizon, hg. von Amanda Gilvin et.al. 144 S. Digitalfotos 34,90 €. Hirmer, München 2019 http://www.hirmerverlag.de

 

Erster Entwurf Walter Andreas zur farbigen Wiedergabe der Front des Ischtar-Tores. Die übergroße Höhe, die Andreae seinem Entwurf zugrundegelegte hatte, den Angaben Herodots folgend, musste während des Aufbaus des Tores im Pergamon-Museum an die vorhandene Raumhöhe angepaßt werden. So wirkt es heute weitaus
gedrungener als in der gezeichneten Rekonstruktion. Aquarell auf Karton, Deutsche Orient-Gesellschaft, Berlin.

Schon auf der ersten Seite ist die „Marschrichtung“ dieses ironisch-abgeklärten Nachrufs auf den heldenhaften deutschen Grabungsleiter des riesigen Ruinenfeldes von Babylon vorgegeben: „Buddensieg, sagte Koledewey, als sie nach Tagen oder Wochen Konstantinopel erreichten, und wies in eine Richtung, von der beide wussten, wohin sie führte. Dr. Koledewey? Gehen Sie, Buddensieg, wir sind geschiedene Leute. Melden sie sich als Kriegsfreiwilliger, vielleicht finden Sie an der Front noch einen anständigen Tod. Er ging und meldete sich, kam in Palästina in Gefangenschaft und setzte nach seiner Heimkehr in den Berliner Museen seine Arbeit fort, die wie einst in Babylon darin bestand, Fundgegenstände mit einer Inventarnummer zu versehen.“

Nur Helden sterben einen berichtenswerten Tod, alle anderen vegetieren bis zum „Verfallsdatum“ in den Archiven oder im Fundus. Die Bewunderung der Autorin Kenah Cusanit, Altorientalistin und Ethnologin, für die Renitenz des Dr. Robert Koldewey (1855-1925), Architekt und Grabungsleiter, mit der er sich seinen Aufttraggebern oder auch seiner unappetitlichen wie gefährlichen Blinddarmentzüdung entgegenstellt, durchzieht den Roman von A bis Z.

Der Einzige, der sein Vertrauen genießt, ist sein Grabungsassistent Walter Andrae, nebenbei ein überaus begabter Zeichner, der jedoch schnell zum Grabungsleiter in Assur befördert wird und Koledwey einsam in Babylon zurückläßt, umgeben von seinen mediokren Mitarbeitern. So entsteht zwischen den Beiden ein intensiver Briefwechsel, der von der Autorin dokumentiert wird wie ein Berliner Baumkuchen, wo sich schmale Schichten aus Dringlichkeitsschreiben der Generalverwaltung der Königlichen Museen oder dem Minister für auswärtige Angelegenheit oder der Deutschen Orientgesellschaft abwechseln mit den persönlichen Mitteilungen von Andrae an seinen ehemaligen Chef, etwa über eine gestohlene Stute und die wütende Reaktion ihres beraubten Besitzers.

Auf der Suche nach dem legendären „Turm von Babel“ breitet sich auf der Grabungsstätte ein ebenso babylonisches Sprachgewirr aus wie bei seinem Bau. Deutsche Experten, türkische Offizielle, arabische Stammesführer, deren Angehörige Tonnen von altbabylonischem Ziegelschutt und neuzeitlichem Wüstenstaub abtragen und nebenbei ihre ureigenen alltäglichen Scharmützel in dem „Wahnsinnsprojekt“ ausfechten, das sind die Ingredienzen, die dem von Blinddarmschmerzen geplagten Grabungsleiter das Leben versauern. Die Liste der 202 Namen seiner Arbeiter kann er trotz aller Fieberanfälle immer noch auswendig hersagen, wobei er auch noch seine Visionen, seine Pläne, seine architektonischen Fragen an die Baugeschichte sowie die Namen aller babylonischen Herrscher, Eroberer und Zerstörer im Kopf behält. In dieser „Farce deutscher Großmannssucht“ wird er zu einem echten Helden, obwohl er im heutigen Berliner Kulturbetrieb nahezu vergessen ist.

Während eines Intermezzos im heimischen Berlin bei kaiserlichen Empfängen und Audienzen, bei Treffen mit Honoratioren und Kollegen erfasst die Leserin ein ebensolch gärendes Gefühl langweiliger Nutzlosigkeit und Zeitverschwendung wie den Grabungsleiter Koldewey. Daß die beeindruckende Architektur, die sich mit dem Ischtartor und der Prozessionsgasse im Pergamon-Museum in Berlin darbietet, überhaupt existiert, haben wir diesem oft mißmutigen, genialen Einzelkämpfer Robert Koldewey zu verdanken. An ihn einmal mehr zu erinnern und ihn dennoch nicht ins Pantheon der „ungeliebten alten weißen Männer“ zu verbannen, sondern ihn als besondere historische Figur mit Mut und Weitblick zu zelebrieren, das ist der Autorin gelungen. „In dieser Weise fing Koldewey an zu zeichnen und sich, sein Pferd neben sich traben lassend, der Stadt zu nähern, bis zu der Stelle, an der er bereits auf der Vorexpedition Bruchstücke von Drachen und Löwen und Stieren entdeckt hatte, begleitet von einem Philologen, dem einflussreichsten Mitglied der Deutschen Orientgesellschaft, versiert in ausgestorbenen Keilschriftsprachen, aber nicht kundig des modernen Arabisch. Kleinste Bruchstücke blau und gelb leuchtender Glasurreliefs waren es, die Koldewey damals nach Berlin mitgenommen hatte und deren Anblick die Veranstalter der Grabung überzeugte, Babylon auszugraben.“ Ursula Daus

Babel, Roman von Kenah Cusanit. 268 S. 23 €. Hanser, Berlin 2019 http://www.hanser-literaturverlage.de

*

Die Erbauer von „Friedrichstein“, des Schlosses der Grafen von Dönhoff hätten sich zu keinem Zeitpunkt vorstellen können, daß von diesem mächtigen, in Stein gehauenen Vermächtnis deutscher Adelsgeschichte in Ostpreußen nach etwa 280 Jahren nichts weiter existieren würde als einige Fundamentsteine. Es brannte durch Unachtsamkeit der russischen Besatzer 1945 bis auf die Grundmauern nieder.

Romantisierende Darstellung von Schloß Friedrichstein, vom See aus gesehen.
Farblithographie aus der Mitte des 19. Jahrhunderts.

Der vorliegende Band „Friedrichstein. Das Schloss der Grafen von Dönhoff in Ostpreussen“ geht der Geschichte dieser Adelsfamilie und ihrer Rolle in diesem ganz weit im Osten des Preußischen und später Deutschen Reichs gelegenen Außenposten nach. Es ist die überarbeitete 2. Auflage mit aktuellen Ergänzungen wie einer „virtuellen Rekonstruktion“, die den Verlust des Herrenhauses und seines Inventars aus kostbaren Möbeln, Tapisserien, Kunstwerken, Silbergerätschaften und Bibliotheksbeständen, wie einer Orginalschrift der Kant‘schen „Physischen Geographie“, augenfällig verdeutlicht. Gemälde, Aquarelle, historische Luftaufnahmen, Fotografien belegen, daß die Bewohner des Schlosses, die sich bis zum Schluß einer intellektuellen und technologischen Moderne aufgeschlossen zeigten, tief in der ostpreußischen Landschaft und ihrem Sozialgefüge verwurzelt waren.

Im späteren Westdeutschland wurde eine ihrer Nachkommen zur wichtigsten Repräsentation eines demokratischen Neuanfangs. Marion Gräfin von Dönhoff gelang ihre Integration in dieses, von außen angeordnete künstliche Konstrukt „Bundesrepublik“ durch ihre Arbeit bei der überregionalen Wochenzeitung „Die Zeit“, deren Herausgeberin sie in ihren letzten Lebensjahren war. Dies entsprach wohl ihrer Erziehung, „die Dinge von oben zu betrachten und zu beurteilen“. Im vorliegenden Band sitzt diese letzte Kennerin der riesigen Güter und des intakten Schlosses Friedrichstein vor einer der wenigen geretteten Tapisserien. Sie stellt eine Jagdszene dar, zu deren Füßen ein Hund lagert, was die Vorlieben der einstigen Schloßbesitzerin unterstreicht.

Das Marburger Herder-Institut zeichnete veranwortlich für das Projekt der „virtuellen Rekonstruktion“. Dort werden digitale 3D-Animationen zerstörter Architektur gemeinsam mit der Technischen Universität Darmstadt erstellt. Weitere Beteiligte waren die Universät von Posen, die Universität von Lodz in der Ukraine, Museen in Ermland und Masuren, in Kaliningrad, die Universität von Greifswald, die Technische Universität von Warschau. Die Aufzählung zeigt das große gemeinsame Interesse europäischer Wissenschaftler, die gemeinsamen europäischen Wurzeln nicht der Dunkelheit des Vergessens anheimfallen zu lassen, sie auch für die nachkommenden, digitalaffinen Generationen sichtbar zu machen. Was sich besonders notwendig erweist, da die Gegenwart vorgibt, schlicht keine Vergangenheit zu haben, sozusagen eine Hypergegenwart sein möchte, die sich ganz der Zukunft verschrieben hat. Corinna Rohloff

Friedrichstein. Das Schloss der Grafen von Dönhoff in Ostpreussen,  hrsg. von Kilian Heck und Christian Thielemann. 380 S.  Zahlreiche Abb. 48 €. Deutscher Kunstverlag, Berlin/München 2019 http://www.degruyter.com

*

Zu seinem 75jährigen Bestehen offeriert der einstmals in Zürich residierende, für seine kostbaren Klassikausgaben wie „Die Geschichte vom Prinzen Genji“ berühmte Manesse-Verlag eine eher untypische „Abenteuerstory“ aus dem 19. Jahrhundert: Herman Melville‘s „Mardi and a Voyage Tither“ von 1849. Mit „Mardi und eine Reise dorthin“, übersetzt von Rainer G. Schmidt, stürzte der zu seiner Zeit durch phantasmagorische Südsee-Romane wie „Typee“ (1842) und „Omoo“ (1847) berühmte Schriftsteller in einen tiefen publizistischen und emotionalen Abgrund, geradeso als hätte ihn eine unsichtbare Hand in einen der „dunklen fürchterlichen Abgründe, die durch scharfkantige, senkrechte Felswände gekrönt waren, hinabgestoßen“.

Galt er bei seinen ersten halb autobiographischen Erzählungen noch als Inspiration für Möchtegernabenteurer in den pazifischen Weiten auf der Suche nach polynesischen Nymphen, ging die Literaturkritik bereots zu diesem frühen Zeitpunkt harsch ins Gericht mit dem mutigen literarischen Außenseiter: „Typee: Die Verleumdung der Missionen! Eine Apotheose der Barbarei! Eine Lobrede auf kannibalische Vergnügungen!“

Dennoch wird Melville sein Leben lang sich nach diesen starken Emotionen seiner Jugend sehnen, sich über seine damalige Feigheit ärgern und mit „Mardi und eine Reise dorthin“ endlich den Mut aufbringen, sich von den Urteilen und Vorurteilen seiner Epoche zu befreien: „Nachdem ich in jüngster Zeit zwei Reiseerzählungen aus dem Pazifik veröffentlicht hatte, die mancherorts ungläubig aufgenommen wurden, kam mit der Gedanke, tatsächlich ein Südseeabenteuer als Fantasieerzählung zu schreiben, um zu sehen, ob diese Fiktion nicht möglicherweise für wirklich genommen werden kann: in gewissem Grade die Umkehrung meiner vorigen Erfahrung. Diesem Gedanken entsprossen andere, die ‚Mardi‘ zum Ergebnis hatten. New York, Januar 1849.“

Melville präsentierte seinem erstaunten Publikum ein Konglomerat aus saltimburlesken Abenteuern, Politikerschelte, Kolonialismuskritik, Bigotteriegehabe, Lobeshymnen auf seefahrende Völker, pazifische Wetterkapriolen. „Borabolla war fröhlich und laut, Jarl war ernst und still; Borabolla war ein König, Jarl nur ein Wikinger – wie kamen sie zusammen? Ganz einfach, um es zu wiederholen: weil sie verschiedenartig waren; daher rührte ihre Affinität… die Affinität zwischen Borabolla und Jarl (wurde) durch die Wärme des Weins befördert, den sie bei diesem Fest tranken. Denn von allen segensreichen Flüssigkeiten ist der Traubensaft der größte Feind der Kohärenz. Er lässt zwar den Gürtel enger werden, doch löst er die Zunge und öffnet das Herz.“ (S. 359f.) Südseekönig und Wikinger-Matrose verbrüdern sich dank des uralten mediterranen Getränks, das schon die griechischen Götter zu freundlichen Genossen machte. Gewollte Absurdität?

Mit „Mardi und eine Reise dorthin“ stürzte der zu seiner Zeit durch phantasmagorische Südsee-Romane wie „Typee“ (1842) und „Omoo“ (1847) berühmte Schriftsteller in einen tiefen publizistischen und emotionalen Abgrund, geradeso als hätte ihn eine unsichtbare Hand in einen der „dunklen fürchterlichen Abgründe, die durch scharfkantige, senkrechte Felswände gekrönt waren, hinabgestoßen“.
 Felsformationen auf der Marquesas-Insel Hiva Oa. Foto R & U Daus, 2009

Statt dem zeitgemäßen Naturalismus zu folgen, stürzte sich Melville in die Rekonstruktion eines Südseeuniversum angelehnt an „Geschichten von Narrenschiffen“, mittelalterlichen Rittersagen oder berühmten Erzählungen von „Irrfahrten“, – unter portugiesischen Seefahrern als „Peregrinção“ bekannt. Berühmtes Beispiel dafür war die Reise des Asienfahrers Fernão Mendes Pinto aus dem 16. Jahrhundert. Wie bei diesen in Hunderte Kapitel gegliederten Texten so müssen auch bei Melville 195 Kapitel auf 798 Seiten durchgestanden werden, ehe der Leser sich mit einer sehr realen, sehr typischen Szene von den Protagonisten der Insel Mardi verabschieden kann, nämlich die gefährliche Durchfahrt durch das Riff, das die Insel vor den zerstörerischen Wellen des Ozeans schützt: „Jetzt bin ich selbst der Herrscher meiner Seele. Und meine erste Tat ist Verzicht! Gegrüßt seiest du, Schattenreich! Und indem ich meinen Bug der tobenden Flut zuwandte, die mich wie eine allmächtige Hand ergriff, schoss ich durch die Bresche. Der Ozean draußen schäumte so hoch, dass er die Wolken peitschte. Und geradewegs in meiner weißen Kielspur jagte ein Boot dahin, über dessen Bug sich drei starre Gespenster beugten – drei Pfeile in ihrem Bogen wiegend…“ (S. 798)

Vielleicht läßt sich „Mardi und die Reise dorthin“ auch als ein Vorläufer der das 21. Jahrhundert so stark prägenden Fantasy-Serien interpretieren. Die deutsche Erstausgabe 1997 wurde von der Literatur- und Medienkritik euphorisch aufgenommen: „Ein solches Buch hat man noch nicht gesehen“ oder noch übersteigerter „Ein ebenso hinreißend wie monströses Werk – der helle Wahn.“ Wie sollte man da die zeitgenössische Kritik dieses „monströsen“ Werks tadeln, wenn auch die mehr als ein Jahrhundert später Geborenen in ihm nur ein Unterfangen der „Wahnhaftigkeit“, und des „rauschhaften Erzählens“ wiederfinden? Ronald Daus

Mardi und die Reise dorthin, Roman von Herman Melville. 832 S. 45 €. Manesse, München 2019 http://www.manesse.verlag.de

*

Alles hatte sich bereits angekündigt. 2010 hießen die Losungen an den Bushaltestellen von Caracas „Ich bin auferstanden! Vaterland, Sozialismus oder Tod! Wir wollen siegen!“ Darunter befanden sich die überlebensgroßen Porträts von Simón Bolívar, Jesus Christus und Hugo Chávez. Der vorzeitige Krebstod des Erfinders der Bolivarianischen Revolution, Hugo Chávez, katapultierte einen wenig charismatischen, jedoch umso verbisseneren ehemaligen Busfahrer und Gewerkschafter, Nicolás Maduro, an die Spitze der „Volksdiktatur der Rothemden“, wie die Autorin des Romans „Nacht in Caracas“ dieses unterdrückerische und zerstörerische Regime nennt. Innerhalb von weniger als einer Dekade ruinierte Maduro das ölreiche südamerikanische Land und setzte eine nie gekannte Fluchtbewegung der Venezoelaner in die Nachbarländer in Gang. Zuerst gingen die Reichen, dann die Wohlhabenden, dann die „kleinen Leute“ der sogenannten Mittelschicht, und aktuell auch diejenigen aus den Armenvierteln, denen die Bolivarianische Revolution ein wunderbares Leben ohne Not und Elend versprochen hatte. Auch viele von ihnen wollten sich dem System aus kontinuierlicher Unterdrückung, Gewalt, Mord und weiterem Elend nicht fügen.

Eines dieser Mittelschichts-Opfer der ins Absurd-groteske entgleisten Revolution ist die Protagonistin des Romans „La Hija de la Española“, Die Tochter der Spanierin, (deutscher Titel: „Nacht in Caracas“), von Karina Sainz Borgo. Die Autorin verließ Caracas bereist von zehn Jahren und lebt seither in Spanien. Auffällig an der Publikation dieses Romans ist, daß er gleichzeitig in 22 Ländern und Sprachen erschien. Entweder war es einer gelungenen Marketing-Strategie zu danken oder es gab politische Schützenhilfe von ungenannter Seite für die noch immer unterlegene Opposition in Venezuela.

Adelaida, die denselben Vornamen wie ihre gerade verstorbene Mutter trägt, steht ab sofort völlig allein im Leben. Abgesehen von zwei uralten Tanten in dem Geburtsort ihrer Mutter an der Karibikküste hat sie keine Angehörigen mehr. Eine vor einigen Jahren vorgesehene Eheschließung mit einem Investigativjournalisten wurde aufgrund dessen Ermordung durch das Regime torpediert. Mit dem Tod der Mutter umkreist der „Sensenmann“ Adelaidas Alltag, und zwar nicht nur draußen auf der Straße, wo Oppositionelle wie Eintagsfliegen unter den Maschinengewehrsalven der Revolutionsmilizen in ihrem eigenen Blut ertrinken. Auch in ihrem Freundeskreis, in den Nachbarwohnungen des Apartmenthauses wird ohne Gegenwehr gestorben. Selbst auf dem Friedhof während einer Beerdigungszeremonie ist mein seines Lebens nicht sicher, wenn die „Hijos de la Revolución“, in rote Hemden gekleidet, auf ihren Motorrädern den Ausputzer für das Regime spielen. Kapitel um Kapitel schichten sich die Toten auf. „Die Versammlung von Männern und Frauen glänzte wie ein Ofenrost von Leben und Tod.“ oder „Die Tage türmten sich wie die Toten in den Schlagzeilen.“

Als sie nach einem Besuch im Krankenhaus, wo eine weitere Bekannte gerade verstorben ist, in ihre Wohnung zurückkehren will, stellt sie fest, daß das Schloß ausgewechselt worden war und zwar von den berüchtigten „Bachaqueras“, den Blattschneideameisen wie man die kräftigen Schwarzmarkthändlerinnen aus den Armenvierteln nennt. Sie reissen sich alles unter den Nagel, was man fürs Überleben braucht: Eier, Reis, Monatsbinden, Öl, Mehl, etc.etc. Die schwitzenden, fetten Frauen haben die Wohnung für die „Revolution“ requiriert, um dort ihre Schwarzmarktwaren kundennah zu deponieren. Adelaida erhält einen Schlag auf den Kopf, als sie versucht, in ihre Wohnung einzudringen. Sie sucht Zuflucht bei ihrer Nachbarin, deren Türe erstaunlicherweise nicht abgeschlossen ist. Sie entdeckt darin eine weitere Tote, die Nachbarin selbst. Der Kadaver der Frau muß entsorgt werden. Sie wirft ihn über die Balkonbrüstung auf die Straße zu den anderen Opfern der „Hijos de la Revolución“. Die Frage der Schuld treibt Adelaida um: „Ich hatte keine Schuld. Du hast keine Schuld, Adelaida.“

War zu Beginn des Romans noch die Literatur ein Trost, gibt es jetzt nur noch den Geruch des Todes und den Willen zu überleben.  Sie kauft einen gefälschten Pass mit den Daten der Toten, den diese war „die Tochter einer spanischen Einwanderin“, deren Rente noch Jahre nach deren Hinscheiden von Spanien aus direkt auf das venezolanische Konto floß. Mit diesen unrechtmäßig erworbenen Euros gelingt Adelaida die Flucht aus dem venezolanischen Totenhaus, ganz „legal“ mit gefälschten Papieren. Mit der Landung auf dem Flughafen von Madrid erreicht sie das sichere, wohlhabende friedliche Europa, von wo aus einst die Armutsflüchtlinge kamen, die ihre Glück im reichen Venezuela machen wollten, dabei weiterhin auf der Suche nach dem legendären El Dorado der Conquistadores des 16. Jahrhunderts. Tamara Pracel

Nacht in Caracas, Roman von Karina Sainz Borgo. Aus dem Sapanischen von Susanne Lange. 224 S. 21 €. S. Fischer, Frankfurt/Main 2019

*

Hatte sich der angolanische Schriftsteller José Eduardo Agualusa in seinem Roman „Barocco tropical“ noch mit der Extrapolation des Alltags in der wahnwitzigen Glitzermetropole Luanda beschäftigt, in der alle Zeitebenen verknäuelt und verdreht werden, wo es im Jahr 2029 nur noch ums Überleben geht, finden sich die Bewohner Luandas in seinem Roman „A sociedade dos sonhadores involuntarios“ von 2017 bereits ganz nah an einer „irgendwie“ gearteten Zukunft. Und noch immer geht es den Hauptfiguren und den Nebendarstellern nur um die Bewältigung einer blutigen Vergangenheit, die nicht enden will.

Das Zentrum, um das die „Gesellschaft der unfreiwilligen Träumer“ kreist, bildet ein ehemaliger Savimbi-Guerillero und aktuell Besitzer einer kleinen Bungalow-Anlage am Strand südlich von Luanda. Sie ist gerade weit genug entfernt, um sich von dem Großstadttumult zu entspannen, doch immer noch nahe genug, um in „angemessener“ Zeit in den Moloch zurückkehren zu können. Und angesichts der andauernden Aufarbeitung des erlittenen Unrechts zwischen Tätern und Opfern oder Opfern, die zu Tätern wurden und deren Nachkommen, läßt Agualusa ein weiteres Mal die Leichen im Schrank, im Keller, von den Scheiterhaufen, aus den Massengräbern wiederauferstehen.

Angolanische Befindlichkeiten einer von Amnesie heimgesuchten korrupten „Elite“ aus Politik und Wirtschaft und hilflos in ihre Alpträume und Ohnmacht verstrickte Intellektuellenschicht, die ständig Zukunftsprojekte erfindet, ohne auch nur eines in Angriff zu nehmen, diese wenig erbauliche Diagonse breitet der Autor erneut auf 300 Seiten vor den Lesern aus.

Einmal mehr ist ein Erlöser gefragt, und diesen wird in dieser Romanversion der einstig blutrünstige Geheimagent, Guerillakämpfer und Bungalowbesitzer Hossi spielen, er, der die Fähigkeit besitzt, andere zum Träumen zu bringen, die ihm selbst nach zwei Blitzeinschlägen abhanden gekommen ist.

Zeuge der erneut zwischen Angola, Brasilien, Südafrika hin- und herwogenden Ereignisse ist der bereits im Vorläuferroman „Eine allgemeine Theorie des Vergessens“ protokollierende Journalist Daniel Benchimol. Da seine Ehe ruiniert ist, seine Tochter sich seinen Erziehungsanfällen widersetzt und seine unliebsamen politischen Artikel ihn arbeitslos gemacht haben, bleibt ihm ausreichend Zeit, den unfreiwilligen Träumern nachzuspüren. An seiner Seite findet sich wieder eine Muse, eine moçambikanische Künstlerin, die in Kapstadt lebt, und der es geling, ihre eigenen Träume in schönen, bunten digitalen Fotos und Videos festzuhalten. Last but not least taucht auch noch ein brasilianischer Neurologe auf, dessen High-Tech-Vorrichtungen die Träume der Probanten in Wellenform aufzeichnen und sie in schrägen Farben zu neuartiger Kunst werden lassen.

Agualusa streunert thematisch zwischen naher Zukunft, eher science-fiction-artigen Technogadgets und weiterhin von Kolonialzeit und Bürgerkrieg gezeichneten angolanischen Psychen. Und er teilt uns mit, daß die Zukunft Angolas nicht mehr die Aufgabe seiner Generation sei (er ist Jahrgang 1964). Sie gehört den Jungen, den neuen Rebellen, den friedfertigen Kämpferinnen und Kämpfern für Freiheit und Demokratie, darunter seine fiktive Tochter Lúcia, „Karinguiri“ gerufen, nach einem kleinen, immer aktiven Vögelchen aus dem Süden Angolas. Sie wächst in dem dem Volk gestohlenen Wohlstand in der Südzone Luandas in einem Reichenghetto auf. Zwischen den anderen Reichenghettos und ihrem Zuhause gibt es nur Einöde, die man „Afrika“ nennt. Darüberhinaus kennt sie auch noch die Treffpunkte der Intellektuellen und Künstler in Luanda, wo man Marihuana raucht und Bier trinkt: „Das Angola der Armen – ich sage bewußt nicht das echte Angola, aber das der allermeisten – lernte ich erst vor ein paar Jahren kennen. Und, so merkwürdig es scheint, identifizierte ich mich damit. Ich sitze nun im Gefängnis, weil ich mich dafür entschieden habe, Angolanerin zu sein. Ich kämpfe dafür, dazuzugehören,“ schreibt die Tochter an ihren Vater. (S. 243) Sie hatte mit anderen „Kindern der Elite“ ein „Attentat“ aus Papierbomben auf den ewigen Präsidenten Eduardo dos Santos verübt und wurde eingesperrt. Ein Hungerstreik soll die Weltöffentlichkeit auf die Situation der „Freiheitskämpfer“ aufmerksam machen, was ironischerweise auch gelingt. Und auch die „unfreiwilligen Träumer“ entdecken ihre Freiheitsliebe plötzlich wieder und fordern die Freilassung der Jugendlichen. Ohne Blutbad, ohne Folter, ohne jahrelange Haftstrafen soll die Zukunft des neuen Angola beginnen.

Und dennoch braucht die Geschichte auch für diesen heeren Wunschtraum ein Opfer. Es ist der Initiator der unfreiwilligen Träume, Hossi, der ausversehen auf den letzten Metern vor der neuen Demokratiewelle, die Angola erfaßt hat, vom Staatsschutz erschossen wird.  Auch Journalist Daniel Benchimol verschwindet nach Erfüllung seiner selbstgestellten Aufgabe zu einem längeren Tête-à-tête mit der moçambikanischen Künstlerin auf die idyllische Insel Ilha de Moçambique. In ihren heute teilrestaurierten, teils verfallenden Kolonialbauten wurden einst Frischwasser, Lebensmittel und Sklaven für die portugiesischen Indienfahrer gelagert.

Der Autor Agualusa hatte bereits vor einigen Jahren seinen Wohnsitz dorthin verlegt, als die Situation für Intellektuelle und Künstler in Angola immer brenzliger wurde. Ob er nach den ersten demokratischen Wahlen von 2017 wieder nach Luanda zurückkehren wird, läßt er offen. Vielleicht sieht er auch seine Aufgabe als der „Protokollant des Erinnerns“ als abgeschlossen an und wendet sich nun, wie bereits seit mehr als zwei Jahrzehnten von einem Großteil kosmopolitischer afrikanischer Intellektueller vorexerziert, der Suche nach einer Zukunft für den ganzen Kontinent, zu. Ronald Daus

Die Gesellschaft der unfreiwilligen Träumer, Roman von José Eduardo Agualusa. Aus dem Portugiesischen von Michael Kegler. 304 S. 22 €. C. H. Beck, München 2019 http://www.chbeck.de

*

Hier träumt keiner mehr. Dafür sind alle mehr oder weniger traumatisiert: emotional, sozial, politisch. In dem Debütroman des aus dem Norden Nigerias stammenden Autor Abubakar Adam Ibrahim werden die sozialen Beziehungen im wahrsten Sinne des Wortes „bis auf die schieren Knochen“ bloßgelegt. Auseinandersetzungen innerhalb der Familie, zwischen Nachbarn, zwischen Religionen, zwischen politischen Anhängern, zwischen Alt und Jung, Männern und Frauen werden mit purer Gewalt geregelt. Blut, Schweiß und Tränen gehören zum Alltag wie das fünfmalige Gebet Richtung Mekka. Das Mehrheitlich dem Islam sich unterwerfende nördliche Nigeria, zwischen Jos und Abjua, strahlt keinen Zukunftsoptimismus aus und ein „Afrotopia“ ist über Hunderte von Kilometern in dieser Region nirgendwo auszumachen. Westliche Anhänger einer neuartigen Gesellschaftsform, „in der das Zusammenleben jeden Tag aufs Neue ausgehandelt werden muß“, sollten sie unbedingt der Lektüre dieses Romans unterziehen. Am Ende werden sie wohl unsanft aus ihren ideologischen Wunschträumen gerissen.

Keiner der beiden Protagonisten hat diese unsichere und wenig zukunftsträchtige Gesellschaft gewählt. Sie wurden in sie hineingeboren: die 55jährige verwitwete Lehrerin, Mutter von vier Kindern, und der 25jährige Bandenchef und Schulabbrecher Reza. Ihre Leidenschaft füreinander war nicht vorhersehbar. Ihre Begegnung eher typisch. Er raubt ihr Haus aus, indem er ihr ein Messer an die Kehle setzt. Sie spürt nach vielen Jahren endlich wieder die Lust auf eine männliche Berührung. Die beiden werden ein heimliches Liebespaar unter erschwerten Umständen. Denn im Haus der Witwe lebt eine Nichte, deren Vater bei religiösen Unruhen von christlichen Fanatikern mit der Machete vor den Augen der Tochter zerstückelt wurde. Auch eine Enkelin hat sich in das Haus der Großmutter geflüchtet, weil ihre Mutter sich an einen neuen Ehemann auf dem Dorf gebunden hat. Die Augen der Nachbarn erweitern den Kreis der ständig auf moralische Vergehen und Todsünden ausgerichteten kleinen Gesellschaft.

Aber auch der junge Mann hat seine sozialen Verpflichtungen. Er kontrolliert eine Bande von Jugendlichen, die er als Drogenkuriere oder „Wahlkampfhelfer“ für einen hohen Politiker einsetzt. Auch hier sind Streit, Schlägereien, Polizeirazzien, Erpressung, Einbruch bis hin zum Mord sein Tagesgeschäft. Sein Trauma liegt jedoch noch weiter zurück, damals als seine Mutter beschloß, ihren Lebensunterhalt als Prostituierte in Dschidda, Saudi-Arabien, zu verdienen. Er war erst vier Jahre alt. Sie besuchte ihn im folgenden Jahrzehnt nur ein einziges Mal und verließ die Familie dann wieder. Das, woran er sich erinnerte, war ihr goldener Zahn und ihre Abwehr seiner kindlichen Liebe.

Die „normalen“ Bewohner in diesem Vorort der unteren Mittelklasse von Nigerias Hauptstadt Abuja führen einen ebenso prekären wie strikten Gesellschaftsregeln aus Stammestraditionen und der jeweiligen Religion unterworfenen Alltag, wobei im Roman der Islam dominiert. Die beiden ungleichen Liebenden sehen sich immer mehr zu absonderlichen Treffen gezwungen. Ihre Leidenschaft macht sie unvorsichtig trotz aller umsichtigen Maßnahmen. Und gleichzeitig fühlen sie, daß sich die Schlinge zuzieht, die ihnen ihre Gesellschaft aus Mißgunst, Neid, Intoleranz, Haß, Gewalt und religiösem Wahn ausgelegt hat. Am Ende verliert die Witwe, die zum ersten Mal in ihrem Leben Leidenschaft und Erregung kennengelernt hat, durch einen Zornesausbruch nicht nur ihren Liebhaber, sondern auch ihren zweiten und letzten Sohn.

Die teils witzigen, teils nachdenklichen Kapitelüberschriften geben wohl nigerianische Sprichwörter wieder wie „Wer einen alten Mann verspeist, darf sich nicht beschweren, wenn er anschließend graue Haare spuckt“ oder „Ein ausgemergelter Elefant ist immer noch besser als zehn Frösche“. Die zahlreichen aus dem Arabischen, dem Hausa oder anderen nigerianischen Sprachen entstammenden Ausrufe oder typischen Alltagswendungen erfordern zum Verständnis ein umfangreiches Glossar, das sich am Ende des Buches befindet.  Ursula Daus

Wo sie stoplern und wo sie fallen, Roman von Abubakar Adam Ibrahim. Aus dem Englischen von Susanne Urban. 300 S. 24 €. Residenz, Linz 2019 http://www.residenzverlag.com

 

Werbeanzeigen

KOSMOPOLIS – Interkulturelle Zeitschrift aus Berlin 35-36/2019 Thema: „Pura Vida“

Bronzestatue des Fray Juníper Serra (1713-1784) mit seinem Begleiter, dem aus Baja California stammenden Indio Juan Evangelista Benno vor der Kirche San Francesc in Palma de Mallorca. Foto R & U Daus, 2018

„Pura Vida“ wurde während der Fußball-Weltmeisterschaft 2014 in Rio de Janeiro zum fröhlichen Begrüßungsritual aller, die den Spielen der Mannschaft aus Costa Rica beiwohnten. Doch was bedeutet „Pura Vida“ eigentlich? Handelt es sich um einen angeblich unübersetzbaren Ausdruck, wie es der französische Schriftsteller Patrick Deville in seinem Essay „Pura Vida“ (2004) über permanent gescheiterte Revolutionen in Zentralamerika konstatierte? Oder ist es zu einer alltäglichen Plattitüde verkommen, wo sich „Pura Vida“- Zeitungsbeilagen, „Pura Vida“-Biersorten und -Milchprodukte oder eine internetaffine Generation zu „Pura-Vida“-Sex und Drogengelagen verabreden? Der spanische Autor José María Mendiluce deutete den Titel seines Romans „Pura Vida“ (1998) folgendermaßen: „In dieser Region – Costa Rica – aus undurchdringlichen Dschungeln und unerträglicher Hitze scheinen die Regeln der Vernunft außer Kraft gesetzt. Überbordene Gefühle und Leidenschaften bestimmen das menschliche Zusammenleben.“

Seine Verbreitung fand der Begriff in Mittelamerika durch den mexikanischen Film „Pura Vida“ von 1956. Der Regisseur Gilberto Martínez Solares hatte seinen Anti-Helden Melquiades Ledezma mit einer unerschöpflichen Gutmütigkeit ausgestattet, der jeden Mißerfolg als neue Herausforderung zu noch größerer Anstrengung interpretierte. Und tatsächlich kam durch Zufall ein Lotterielos in seine Hände, das sein bisheriges trauriges Leben vergessen machte.

Unsere Autorinnen und Autoren haben sich ganz in diesem Sinne mit den Höhen und Tiefen des „Pura Vida“ befaßt, unbesehen ob es sich um einen im 18. Jahrhundert vom Unglück verfolgten und schlußendlich im 21. Jahrhundert heiliggesprochenen Franziskaner-Missionar aus Mallorca handelt, um einen liebevoll unterhaltenen Tangoclub bei Medellín, dem Ort des Todes von Carlos Gardel, um im Verborgenen arbeitende Holzbildhauer auf der abgelegenen indonesischen Insel Tanimbar, das snobistische Ringen um Optimismus oder um das pralle Leben einer nicaraguanischen Ex-Revolutionärin und Schriftstellerin.

Aus dem Inhalt:

Ronald & Ursula Daus * „Sempre endavant. Mal enrera“. Reise  des Mallorquiners Juníper Serra In die neue Welt

Beat Presser * Nuqui, Honda und Carlos Gardel oder „La Pura Vida“

Antonius Moonen * Der simple Optimismus des Snobismus

Mickalene Thomas * „Á la Manière de…“. Die Ausstellung „Femmes Noires“ in Montréal

Will Buckingham * Mit den Augen stehlen. Holzbildhauer auf Tanimbar in Indonesien

Gratulation zum 250. Geburtstag Alexander von Humboldts

Peter B. Schumann * Wenn das pralle Leben die Literatur überholt. Gespräch mit der Schriftstellerin Gioconda Belli aus Nicaragua

Ursula Daus * Die schwierige Kunst, ein Museum zu entkolonisieren. Das  „Musée Royal de l‘Afrique centrale“ bei Brüssel

„Im Ewigen Eis?“ Sebastian Copeland in der Fotogalerie CAMERA Work in Berlin

In Berlin und anderswo: Dekolonisierung und kein Ende… mit Ngugi wa Thiong’o und Yambo Ouologuem, 125 Jahre mit „National Geographic“ in Afrika, dem deutsche Maler Wilhelm Kuhnert und seinem Bild von Afrika, auf den Spuren von Pierre Savorgnan de Brazza am Kongo, dem „Verkäufer von Vergangenheiten“ in Angola u.v.a. *  „Cimarrónes“ * Verführung in Breslau

Neue Bücher: Gescheiterte Existenzen in Rom, Montevideo, São Paulo, Oslo und Berlin und Tiflis sowie in Paris und der Normandie * Baku: Geschichten aus Tausend und Einer Ölquelle * Über das Meer hinaus von Europa aus * Einsame Weltreise * Sizilianische Literaturen * Fotokunst auf Goethes Spuren durch Italien im 21. Jahrhundert * Ganz zum Schluß: ein Leben als Gesamtkunstwerk

Kolophon: Eindrucksvolle Eigenständigkeit – Der „Modernisme“ in Mallorca

 

„Verführung“ in Breslau und „Lust auf Täuschung“ in Aachen

 

„Umschlungenes Paar“, 1918/19, von Otto Mueller. Leimfarbe auf Leinwand.

Von 1919 bis 1930 faszinierte und verführte der Expressionst Otto Mueller mit seiner Persönlichkeit, seiner Malerei und seiner avantgardistischen Lebensweise nicht nur eine große Zahl junger Künstlerinnen, sondern auch Künstlerkollegen und Sammler. Er war 44 Jahre alt, als er 1919 nach Breslau berufen wurde. Seine Leidenschaft der Akt-Malerei, besonders der Aktmalerei in freier Natur, berührte und revolutionierte die Breslauer Akademie tiefgreifend. Seine Sujets wie blutjunge, fragile junge Frauen, aber auch seine sogenannte „Zigeuner-Malerei“ galt als anti-bürgerlich und somit in etablierten Kreisen dieser schnell gewachsenen, jedoch „erstaunlich provinziellen“ Metropole als kritikwürdige Verführung. Mueller machte die Leimfarbenmalerei auf Rupfen „hoffähig“, die ein schnelles und entschiedenes Arbeiten des Künstlers erfordert, da die Leimfarbe schnell auf diesem ausgefallenen Untergrund trocknet.

Otto Mueller selbst empfand seine Breslauer-Zeit eher als einen „widerwilligen Lebensabschnitt“. Die langen Semesterferien nutzte er für Reisen nach Rumänien, Bulgarien oder Ungarn, zu den Modellen, die er liebte, „seinen Zigeunern“, deren Freiheit ihn oft deren Elend vergessen ließ.

Im Katalog zur gleichnamigen Berliner und Breslauer Ausstellung werden neben zahlreichen Mueller-Gemälden, Druckgrafiken und Skizzen auch die seiner Zeitgenossen, seiner Berliner Künstlerfreunde z.B. der „Brücke“, und heutigen polnischen Nachgeborenen präsentiert. red.

Maler. Mentor. Magier. Otto Mueller und sein Netzwerk in Breslau. Katalog zur gleichnamigen Ausstellung (12.12.2018-3.3.2019 im Haburger Bahnhof, Berlin; 8.4.2019 bis 30.6.2019 im Museum Narodwe in Breslau). 440 S., 186 Farb und 144 S/w-Abb. 39,90 €. Kehrer, Heidelberg 2018.

***

Bis zum 30. Juni 2019 ist im Ludwig Forum für Internationale Kunst in Aachen die Ausstellung „Lust auf Täuschung“ zu sehen. Zeugnisse von der Antike bis zur virtuellen Realität versammelt diese Bilderschau des Vergnügens und des Augenirrtums. Bekanntes, wie das hier abgebildete „Brett mit Briefen, Federmesser und Schreibfeder hinter roten Bändern“, von Wallerant Vaillant, 1658, wie auch weniger Augenfälliges wie Hans-Peter Reuters „Kachelraum ohne Ding, Nr. 110“, 1976. „Die Welt ist das, was wir wahrnehmen“, ließ einst  Maurice Merleau-Ponty verlauten. Wer möchte sich da noch über „Fake-News“ echauffieren?

Katalog zur Ausstellung mit 3-D-Effekten, 39,90 € bei Hirmer, München 2018.

Dekolonisierung und kein Ende. Teil 2…..

„ Die Strecke (Selbstportrat)“ von Wilhelm Kuhnert, 1915. Ausschnitt.
Aus dem rezensierten Band „König der Tiere“, 2018

Monumental und bildmächtig präsentiert die Kunsthalle Schirn in Frankfurt das nahezu vergessene Werk des Berliner Malers Wilhelm Kuhnert (1865-1926). Dieser prägte mit seinen Zeichnungen, Aquarellen und Ölgemälden von afrikanischen Tieren, Landschaften und Menschen das Bild eines faszinierend-phantastischen Afrikas bis weit ins 20. Jahrhundert hinein. Seine Tier- und Naturdarstellungen bereicherten nicht nur Brehm‘s „Tierleben“. Sie fanden sich auch auf Plakaten, Briefmarken, Schautafeln und als Reproduktionen in Kolonialromanen und Reisebüchern.

Sein Werk beförderte den exotistischen Eskapismus genauso wie den imperialen Kolonialismus des deutschen Reiches in Ostafrika. Seine eigenen Reisen durch diesen Teil Afrikas dienten ihm zur Vorortrecherche, zum Abgleich zwischen Realität und Kunstwerk – sowie zur Befriedigung seiner Leidenschaft als Großwildjäger. Anders als bei seinen Jagderfolgen, wo er sich im Selbstporträt mit erlegter Beute darstellte, haderte er dennoch mit dem von ihm so beeindrucken wiedergegebenen Sujet: „Das Malen hier ist keine Leichtigkeit“.  Was genau er damit ausdrücken wollte, bleibt sein Geheimnis: waren es die klimatischen Bedingungen, die Reiseschwierigkeiten, das Essen, die Lichtverhältnisse, die Gefahren des Buschlands – immerhin deponierte er vier Jagdflinten in Reichweite seiner Staffelei? Oder berührten auch ihn, den überzeugten Kolonialisten, die menschlichen Schicksale der Bewohner, wie es seine Skizze eines an einem vertrockneten Ast Erhängten festhielt: „Mabruk, der Geliebte der Ndekocha, erhängt, 1905“?

Aus heutiger Sicht erscheint die Kunst eines Wilhelm Kuhnert als ein zeittypisches Kuriosum: einerseits bedienen seine hochklassig ausgeführten Ansichten von Fauna und Flora Afrikas einen ungebrochen aktuellen Eskapismus bei westlichen Betrachtern. Andererseits provozieren sie offenen und berechtigten Widerspruch angesichts der derzeit hochaktuellen Dekolonisierungs-Diskussion und Kunst-Rückgabe-Ansinnen der auf der Suche nach Eigenständigkeit bestärkten afrikanischen Intellektuellen und Künstler.

Nur zwei Jahrzehnte nach Wilhelm Kuhnerts letztem Afrika-Aufenthalt wurde in Nairobi der kenianische Fotograph Priya Ramrakha geboren. Abkömmling eines im 19. Jahrhundert aus Indien in die britische Kolonie Uganda ausgewanderten Familie, wuchs er in einer von Unabhängigkeit und Freiheitsträumen imprägnierten Großfamilie in Nairobi auf. Sein Onkel besaß eine Druckerei, in der die anti-koloniale Tageszeitung „The Colonial Times“ und der auf Kisuaheli erscheinende Ableger „Habari za Dunia“ erschienen.

König der Tiere. Wilhelm Kuhner und das Bild von Afrika, Ausstellungskatalog. 264 S., 171 Farbabb. 39,90 €. Hirmer, München 2018. http://www.hirmerverlag.de

Gefangene Aufständische vor dem Verhör in britischen Konzentrationslagern in Kenia.
Foto von Priya Ramrakha, 1953-54.

 

Priya Ramrakha hatte von Kindesbeinen an nur einen Wunsch: er wollte als Fotograf die kolonialen Ungerechtigkeiten und Grausamkeiten dokumentieren und damit ihr Ende beschleunigen.

Er erhielt ein Stipendium zum Studium in den USA. Er kehrte zurück und nutzte sein neuerworbenes Wissen, um die Freiheitskämpfe, die Schlachtfelder, das menschliche Leid direkt aus der Mitte der Ereignisse in die Welt zu transportieren. Seine gegen sich selbst rücksichtslose Arbeitswut katapultierte seine Bilder bis in die europäischen und US-amerikanischen Top-Gazetten wie etwa das Time-Life-Magazin. Dieser Bild-Fantatismus beendet 1968 sein junges Leben, als er im nigeriansichen Biafra-Krieg in einen Hinterhalt geriet.

Die späte Hommage durch den vorliegenden Fotoband ist ein unverzichtbares Zeugnis einer ungebrochenen Überzeugung, daß nur ein kämpferischer gemeinsamer Einsatz die Freiheit bringen kann

Der kenianische Fotograf Priya Ramrakha, hg. von Shravan Vidyarthi & Erin Haney. 200 S. 225 Fotoabb. 39,90 €. Kehrer, Heidelberg 2018. http://www.kehrerverlag.com

Anmerkungen zu Michel Houellebecq’s Roman „Serotonin“

: „Die grausamen Märchen der Paula Rego“. Ausstellung im Musée de l‘Orangerie, Oktober 2018-Januar 2019. Die portugiesische Künstlerin Paula Rego (*1935) hat schon in den 1980ern die menschlichen Abgründe des Landlebens in Szene gesetzt wie sie Michel Houellebecq in seinem Roman „Serotonin“ 2019 wieder aufnimmt.

„Viel Lärm um das Nichts“, könnte man diesen druckfrischen Roman des französischen Autors Michel Houellebecq überschreiben. Mit „Serotonin“ hat er ein dekadentes Lesevergnügen passend zu einer Epoche geschaffen, die zwischen „alternativlosem Ennui“ der sogenannten Eliten und rebellischer Verzweiflung der von ihnen ignorierten  „Indignados“, zu deutsch etwa Wutbürger, oszilliert.

Erstaunlich an dieser manchmal ironischen, manchmal wütenden, manchmal melancholischen, oftmals bissig-scharfen Lektüre ist, dass sie überhaupt existiert. Da setzt sich einer hin, und schreibt weiter, langsam, gemächlich, routiniert. Entsprechend gibt sich sein Protagonist jeden Tag aufs Neue seiner Alltagsroutine hin: eine halbe Tablette Anti-Depressiva der neusten Generation, 2 bis 3 Zigaretten und eine Tasse scharzen Kaffees aus einer Kaffeemaschine, die zu seinem Erstaunen überraschend schnell und effizient dieses Getränk bereitet.

Jetzt scheinen sowohl Autor als auch Protagonist bereit, den Widerwärtigkeiten des modernen Alltags zu begegnen. Doch trotz dieser angeblichen Gemeinsamkeiten stürzt der Autor ab diesem Moment seine Hauptfigur in eine unheilbare Melancholie angesichts des Verlustes einer großen Liebe und der Sinnlosigkeit, weitere Versuche des Scheiterns zu starten. Mit geradezu voyeuristischer Wollust begibt sich die nur wenig handelnde, von unzähligen Grübeleien gepeinigte Agrarökonom Florent-Claude auf die Suche nach dem schmerzfreien, „erfolgreichen“ Selbstmord.

Der Zeitraum zwischen Entschluss und Ausführung der Tat dient dem Autor dazu, genüßlich in seinem selbstverfassten Literatur-Archiv herumzuschmökern – wieder tauchen die Nudistencamps auf wie in „Ausweitung der Kampfzone“, die spanischen Urlaubsrefugien wie in „Lanzarote“, die Ausflüge in die Biochemie-Forschung wie in „Elementarteilchen“ – sowie ausführlich seine Lieblingsautoren der europäischen Weltliteratur in seine Geschichte zu verwickeln, allen voran Gogol‘s „Tote Seelen“.

Mit bekannter Schreibfertigkeit erzählt Houellebecq aber auch von den kruden, relativ aufwändigen Verfahren bei der Beantragung von Fördergeldern bei der EU oder der Zentralregierung in Paris, die angeblich dem Schutz der französischen Landwirtschaft dienen sollen in einem „mörderischen“ Auslöschungskampf des globalen Marktes. Und so erfahren wir, wie hochdotiert die Verträge für die Kopfgeburten dieser sogenannten Experten sind und wie nichts und niemand die Zerstörung der kleinen Landwirte und Unternehmer in den Weiten der französischen Landstriche aufhalten kann.

Mit Akribie bearbeitet der Roman eine einst bei Pariser Künstlern und Großbürgern hochgeschätzte Inspirations- und Erholungszone: die Normandie. Für Freunde der „Lebensart der Normandie“ aus Camembert-, Livarot- und Pont l‘Evêque-Käse, Cidre und Calvados bietet dieser Text erste Einblicke. Für Houellebecq jedoch steht die Region beispielhaft für den Niedergang einer einst prosperierenden französischen Provinz.

Einer der Höhepunkte des Romans bildet die „Zusammenrottung“ Barrikaden errichtender Milchbauern in der Nähe des idyllisch-elitären Küstenortes Deauville. Der aristokratische Anführer dieser von der Globalisierung ihrer Würde beraubten „Wutbürger“ – die derzeit als „Gelbwesten“ lautstark ihren Unmut in ganz Frankreich kund tun – katapultiert sich medienwirksam mit einer historischen Schußwaffe aus seinem bankrotten Viehbauern-Leben. Der Mut dieses Nachkommens eines Jahrtausende alten Geschlechts läßt den Protagonisten noch tiefer in seiner Depression versinken. Dass er selbst im Gegenzug nicht in der Lage ist, das Kind seiner einstigen Geliebten mit einer Jagdflinte aus dem Weg zu schaffen, zeugt gegen Ende des Romans von der großen Menschenliebe des oft als zynisch titulierten Autors Houellebecq.

Immerhin bleibt den Leserinnen und Lesern das Vergnügen, die politisch unkorrekte Sprachwahl, die Kraft- und Vulgärausdrücke bei der Beschreibung wenig erotischer Sexszenen bis hin zur Pädophilie und der intensive Einblick in die aktuelle französische „Malaise“ aus der Feder des bekanntesten „enfant terrible“ der französischen Literatur des 21. Jahrhunderts zu goutieren. Ronald Daus

Serotonin, von Michel Houellebecq. Aus dem Französischen. 336 S. 24 €. Dumont, Köln 2019. http://www.dumont-buchverlag.de

Die schwierige Kunst, ein Museum zu entkolonisieren. Zur Wiedereröffnung des „Musée royal de l‘Afrique centrale“ in Brüssel

„Reorganisation (Umstrukturierung)“, 2002, von Chéri Samba (*1956). Sammlung RMCA, HO.0.1.3865.

„Wenn wir die koloniale Vergangenheit mit heutigen Augen betrachten, können wir nur zu dem Schluß kommen, daß die Kolonisierung als System und Führungsmodell unmoralisch ist und daß wir uns völlig davon distanzieren müssen. Kein Land hat das Recht, ein anderes zu unterwerfen, denn kein Volk hat je darum gebeten, kolonisiert zu werden.“ Die Worte des Generaldirektors des als „AfricaMuseum“ wiedereröffneten ehemaligen „Königlichen Museum für Zentralafrika“ sind eindeutig. Das Bild, das das neugestaltete und erweiterte Museum  von seinem Schwerpunkt Zentralafrika – hier vor allem der von dem belgischen König Leopold II. erst als Privatbesitz beanspruchten Kongo, später vom Staat Belgien als Belgisch-Kongo verwaltete und ausgebeutete Kolonie – vermitteln will, soll in nichts mehr an seine mehr als 100jährige Geschichte erinnern.

Das in einem großen Park 1897 für die Weltausstellung erbaute schloßartige Gebäude wurde bereits 1910 unter Denkmalschutz gestellt und damit auch wesentliche Dekorelemente wie die mächtigen Deckengemälde mit dem königlichen Emblem oder die Statuen des Erbauers. Hier konnten lebende afrikanische Tiere und Menschen in ihrem angeblich natürlichen „Habitat“ bestaunt werden. Wenn in den Folgejahrzehnten die lebenden Exponate von Gipsnachbildungen abgelöst wurden, blieb der Tenor dennoch eindeutig: Belgien und Belgier haben sich als aufopferungsvolle Zivilisationsbringer im Kongo Verdienste erworben. Ihre Verfehlungen, ihre Gräueltaten wurden, wenn überhaupt erwähnt, als Kollateralschäden behandelt. Die Reichtümer des Kongobeckens – Gold, Rohstoffe, Holz etc. – gehörten nach dem Verständnis der Museumserbauer und -betreiber selbstverständlich denen, die sie sich zu erobern wußten.

Kostbare afrikanische und europäische Originale der frühen kongolesischen Kolonialgeschichte seit dem 15. Jahrhundert wie  das Original des Briefes des ersten christianisierten Kongo-Königs Afonso I. an den portugiesischen König João III. werden sorgfältig gehütet. Im Museum befindet sich auch das Archiv des Abenteurers  Henry Morton Stanley, der mit rücksichtsloser Gewalt große Teile des Kongobeckens für den belgischen König Leopold II. in Besitz nahm.

Mit der Neugestaltung, die vor allem eine medientechnische Aufarbeitung und Neubewertung der bereits vorhandenen Ausstellungsobjekte für die Besucher beinhaltet, bemühen sich die Organisatoren in Kooperation mit kongolesischen und Diaspora-Gruppierungen um ein allumfassendes Narrativ, in dessen Mittelpunkt die Aufarbeitung der gemeinsamen schmerzhaften Geschichte stehen soll.

Was dem Museum einen eher pädagogischen Anstrich verleiht, bildet sich in den angeschlossenen Forschungseinrichtungen zu den diese Region betreffenden Sprachen, Sitten und Gebräuchen der einzelnen Völker in fundierten Publikationen ab.

In der neu aufgenommenen Abteilung „Afropea“ kommen die Diaspora-Kongolesen zu Wort. Zentrales Ausstellungsobjekt in diesem Rahmen ist das Werk des Künstlers Freddy Tsima. „Ombres“, Schatten, projiziert auf die weißen Wänder unter die belgischen Namen die Schatten und Namen von Kongolesen, die während der Weltausstellung 1897 in ihren „afrikanischen Dörfern“ ums Leben kamen. Dazu stellt er einen der eisernen Wagen, der den Weg zwischen der Hafenstadt Matadi und Kinshasa bahnte, bei dessen Bau zahllose in die Zwangsarbeit verschleppte Kongolesen ihr Leben ließen.

Eine gewaltige Herausforderung für die Museumsmacher bleibt diese architektonisch und museumsorganisatorisch abgeschlossene Neustrukturierung in jedem Fall. Vielleicht hilft hierbei ein Blick genau auf diesen Kontinent Afrika, worin ja der Daseinsgrund des Museums begründet liegt. Denn dort diskutieren Intellektuelle, Künstler und Medienschaffende die „schöne neue afrikanische Welt“ in Werken wie „L‘Afrique qui vient“, „Afrotopia“ oder  „Écrire l‘Afrique Monde“. Für diese kosmopolitischen Weltbürger ist die Epoche der „Post-Dekolonisierung“ bereits eine Selbstverständlichkeit. Dazu zählt u.a. auch die Rückgabe und nicht die europäische Neubewertung afrikanischer Kunstwerke an afrikanische Museen  als Grundvoraussetzung eines Zukunftsdialogs „auf Augenhöhe“. Ursula Daus

AfricaMuseum, Tervuren bei Brüssel. Katalog: Unvergleichliche Kunst: Wunderbare Objekte des Königlichen Museums für Zentralafrika. 25 €  http://www.africamuseum.be

„Nautische Werke“ von Jacques Devaulx. Ein Luxusobjekt, in dem sich auf geniale Weise „Bild“ und „Bildung“ vereinen.

Detail aus der Gebrauchsanweisung für die Volvelle namens „Gezeitenuhr“. Karte der Atlantikküste zwischen Nordfrankreich und Portugal mit Angaben zur Bestimmung der Gezeiten. Folio 25r, aus: Les Premières Œuvres de Jacques Devaulx, 1587.

Mit dem Faksimile-Druck und der wissenschaftlichen Aufarbeitung der „Nautischen Werke“ (1587) des aus Le Havre stammenden Ersten Lotsen und Steuermann Jacques Devaulx (1555?-1597) übertrifft sich der Taschen-Verlag erneut in Auswahl, Ausstattung und Präsentation eines historischen europäischen Werkes. Devaulx hatte nach einer Erkundungsfahrt über den Atlantik von Le Havre aus Brasilien, die Karibik, die Küste Amerikas bis nach Labrador bereist. Seine Kenntnisse über Längen- und Breitengrade, Gezeiten, Meßinstrumente, Volvellen, Kosmografie hatte er unter Berücksichtigung der zeitgenössischen Kartographie in seinem nautischen Welt-Handbuch untergebracht. Doch er begnügte sich nicht mit der Darstellung simpler Fakten. Er stattete sein Werk opulent mit Zierbuchstaben und Illustrationen aus. Denn Jacques Devaulx, der normannische Kartograph, galt als einer der her-ausragenden Repräsentanten der französischen Hydrographie-Schule, der sogannenten „Schule von Dieppe“, die auch nach der Erfindung des Buchdrucks ihre Werke handschriftlich auf kostberen Papieren fertigten.

War das prachtvolle Original nur Königen, Herzögen und ihrer Entourage zugänglich, dürfen heute gewöhnliche Sterbliche dieses einstige „Luxusobjekt“, in dem sich auf geniale Weise „Bild“ und „Bildung“ vereinen, betrachten und besitzen. Ronald Daus

Nautical Works. Œuvres Nautiques. Nautische Werke, von Jacques Devaulx. Faksimile. 264 S. Farb- und s/w-Abb. 100 €. Taschen, Köln 2018. http://www.taschen.com

 

Mickalene Thomas: „Femmes Noires“ in der „Art Gallery of Ontario“, Toronto.

Portrait of Maya #10, 2017, von Mickalene Thomas. Strass, Siebdruck und Acryl auf einer auf Holzplatte gezogenen Leinwand, 96 x 84 Zoll.
Private Collection, Toronto.© Mickalene Thomas / SOCAN (2018).

Die afro-amerikanische Künstlerin Mickalene Thomas (*1974) wird in der „Art Gallery of Ontario“ in Toronto sowie im „Contemporary Arts Center“ in New Orleans mit einer großen Solo-Ausstellung ihrer wichtigsten Werke gewürdigt. Mickalene Thomas provoziert seit mehr als zwei Jahrzehnt ihr Publikum mit Inszenierungen, die sich immer weiter in von der Kunstgeschichte sanktionierte Werke vorwagen. Ölmalerei, Strass, Siebdruck, Fotografie oder Mischtechniken zeigen schwarze Frauen in den Posen der großen europäischen Meister. Meist ist die Künstlerin Selbstdarstellerin in ihren Tableaus, wie bei der Revision des berühmt-skandalösen „Origine du Monde“ (1866) von Gustave Courbet. In „Origin of the Universe“ (2012) inszenierte Thomas sich selbst als „Ursprung der Welt“ und lieferte davon auch gleich mehrere Versionen in unterschiedlichen Herstellungstechniken. In ihrer Serie „Maya“ dient die „Nackte Maja“ des 1795–1800 entstandenen Ölgemäldes von Francisco José de Goya als Model. Können, Witz, Ironie und Mut zeichnen diese engagierte Künstlerin aus.

Solo-Ausstellung bis 24. März 2019 in der „Art Gallery of Ontario“, Toronto. Weitere Informationen unter: http://www.ago.ca

 

Geschichten aus Tausend und einer Ölquelle

„Baku ist größer als jede andere Erdölstadt der Welt. Wenn das Erdöl König ist, ist Baku sein Thron…“, schrieb J.D. Henry im Jahr 1905. Der Erdölreichtum sowie die Existenz der Stadt Baku am Kaspischen Meer sind seit mehr als zwei Jahrtausenden belegt. Dort wo das Öl direkt aus dem Boden sprudelte, etablierte sich der Kult des Zarathustra, der bis heute fortbesteht. Doch mit der Ausbeutung dieser Naturressource ab Mitte des 19. Jahrhunderts in bis dahin ungekanntem Ausmaß machte auch die Stadt Baku einen qualitativen Sprung. Die „Erdölbaron-Stadt“ (1870-1918) entstand mit ihren stark ausdifferenzierten urbanen Teilen aus der „Schwarzen Stadt“ mit Bohrtürmen, Raffinerien und Arbeiterwohnungen und der „Weißen Stadt“ mit ihren Großbürgerhäusern, Kultureinrichungen und „Bulevars“. Ihr folgte die „Erdölstadt des sozialistischen Menschen“ (1920-1991) nach der Machtübernahme der Sowjets über diesen wichtigen Produktionsstandort mit sozialistischen Stadtexperimenten und neuen Technologien. Zwischen 1991 und 2012 richtet die Autorin den Blick in die Zukunft ohne Erdöl. Welche Auswirkungen wird diese relativ unsichere Entwicklung auf die Stadtplanung und die Lebensqualität ihrer Bewohner haben?

Mit zahlreichen Stadt- und Entwicklungsplänen, teilweise aus bisher verschlossenen sowjetischen Archiven, werden die einzelnen Phasen dieser Boom-Town des 19. bis 21. Jahrhunderts erörtert. Die wichtigsten Etappen einer Neuplanung im 19. Jahrhundert durch die Brüder Nobel, die sowjetischen Expansionspläne weit über die Stadtgrenzen hinaus in die Förderregionen der Abscheron-Halbinsel, die den historischenTempel des Zarathustra einkreisten  und ihm seine natürlichen Ölquellen abgruben (seine Feuerstellen werden heute durch künstlich zugeführtes Öl am Brennen gehalten), bis zu den märchenhaft-futuristischen Architektursolitären und der gentrifizierten Verbindung zwischen der einst „Weißen“ und „Schwarzen“ Stadt läßt sich bis ins kleinste Detail nachvollziehen.

Dass für die expansive Metropole nicht immer alles nach „Plan“ lief, zeigten die ständigen, bei der Bevölkerung oft umstrittenen Abriß- und Neubauphasen in Aufbau- und Niedergangsepochen. Doch noch immer herrscht – wie im 19. Jahrhundert – eine kosmopolitische Grundstimmung in dieser Vielvölkerstadt mit enormen Einkommens-, Kultur- und Glaubensunterschieden. Dank ihrer relativ toleranten Haltung reüssierte die Metropole bereits in ihrer eklektizistischen Phase und hat sich mit einer extremen Formensprache mit ihrer neo-eklektizistischen Phase in die Topliste der Mega-Metropolen des 21. Jahrhunderts wie Dubai, Singapur oder Astana katapultiert.

Diesen hochspannenden Weg nachzuzeichnen gelingt Eva Blau in ihrem Band „Baku. Oil and Urbanism“ mit leichter Hand und zahlreichen historischen und aktuellen Fotografien. Alex Westwood

Baku. Oil and Urbanism, von Eva Blau, mit einem Fotoessay von Ivan Rupnik. 302 S. Karten, Pläne, Index, Bibliographie. 48 €. Park Books, Zürich 2018. http://www.scheidegger-spiess.ch

 

Über das Meer hinaus

Doppelseite aus dem Tagebuch des norwegischen Matrosen Daniel Trosner (1685-1741) von 1710

Mit der Ausstellung „Europa und das Meer“ hat sich das Deutsche Historische Museum in Berlin ein wahrhaft gigantisches Thema gewählt. Unter der Prämisse, daß Europa, „gemessen an Küstenlänge und Gesamtgröße mehr Berührungspunkte mit dem Meer“ habe als jeder andere Kontinent, wird die Bedeutung des Meeres als Motor für die europäische Entwicklung über mehrere Jahrtausende untersucht. Von mythischen Vorstellungen hin zur tatsächlichen Seefahrt, der Herrschaft über die Meere, dem Künstenhandel, Sklavenhandel sowie der Meeresforschung reicht das Spektrum des mit archäologischen Funden, historischen Dokumenten und digital-animierten Inszenierungen belegten „Sehnsuchtsraums“.

Europäische Weltherrschaft wäre ohne die Erforschung der sich über den gesamten Globus ausbreitenden maritimen Verkehrswege undenkbar gewesen. Und dennoch sind es heute die risikobereiten Bewohner der Küsten Amerikas, Arabiens, Afrikas, Indiens, Asiens oder Australiens, die die einst von den Europäern kontrollierten Meeresstraßen befahren und den daraus profitträchtigen Handel für sich beanspruchen.

Dass der Alltag auf den diese oftmals wilden Gewässer durchpflügenden Schiffen immer eine besondere Herausforderung für die Besatzungen darstellte, ist  hundertfach dokumentiert worden. Daß sich daran auch im 21. Jahrhundert wenig geändert hat, sieht man an der noch immer niedrigen Wertschätzung der Seeleute, die für ein geringes Salär ihr Leben im Kampf mit den Elementen und für den Profit einiger Weniger riskieren. Dennoch schafften es manche unter diesen „Männern aus Eisen“, die „auf Schiffen aus Holz“ fuhren, ihre Eindrücke, Erlebnisse und Überlegungen in kunstvoll gestalteten Schrift- und Bildseiten festzuhalten, wie die Doppelseite aus dem Tagebuch des norwegischen Matrosen Daniel Trosner (1685-1741) von 1710 bezeugen.

Weitere Themenschwerpunkte sind die Nutzung und Ausbeutung von Meeresressourcen, Umwelt und Klimafragen sowie die erneut in den Fokus gerückte Flucht und Migration über das Meer nach Europa.

Bezüglich Malerei und Literatur bleibt die Ausstellung seltsam verhalten. Die ausgewählten Gemälde deutscher oder anderer europäischer Maler erzählen von einem düsteren Wellental, von gänzlich bekleideten Strandurlaubern, wo nur Erich Heckels nackten „Badenden an der Förde“ von 1913 einen Kontrapunkt bilden. Aber auch hier wirkt der Himmel bedrohlich, von dunklen Gewitterwolken überzogen, und die Strandflora vom aufkommenden Winde verweht. Tamara Pracel

Europa und das Meer, Katalog zur Ausstellung (bis 6.1.2019). 448 S., 415 Abb. 39,90 €. Hirmer, München 2018. http://www.hirmerverlag.de